Le blog de Paul ORIOL

Mais c’est un Maigret adapté au cinéma par Patrice Leconte.

Un roman, un film policier est le plus souvent une histoire qui débute par la découverte d’un meurtre suivi d’une enquête policière cherchant à découvrir les coupables de cet acte criminel. Encore faut-il d’abord établir les faits avant d’engager lecteur ou spectateur dans de multiples impasses plus ou moins angoissantes.

Dans le prologue de Maigret, c’est le Commissaire qui est inquiet de son état de santé, marqué par une fatigue excessive, un manque d’appétit… heureusement sans cause ni conséquence si ce n’est une inutile interdiction médicale de fumer par son médecin. Et le Commissaire est appelé à une nouvelle enquête à propos de la découverte du corps d’une jeune femme lardé de coups de couteau signalé à la police par une alerte téléphonique anonyme.

Le film de lumière et d’ombre. La lumière de Paris ou plutôt le mirage de Paris qui attire les jeunes femmes de province, prêtes à beaucoup, pour se faire une place dans le cinéma ou le beau monde. Mais Paris n’est qu’un aquarium illuminé dans un bureau obscur, un endroit où le nouveau poisson exotique aura une place s’il n’est pas mangé par les premiers occupants.
Le Paris du Commissaire est tout autre : un Paris fait de maisons sombres, de bureaux occupés par des hommes vêtus de noir, de rues tout aussi banales et grisâtres, de longs couloirs sans lumière, même le bord de Seine n’est qu’un couloir pavé : le Commissaire évoque pour une jeune femme qui va l’aider dans sa recherche, une de ses premières enquêtes commencée par la découverte d’un corps en très mauvais état retrouvé au pilier du pont…

Le contraste est fort entre la clarté des images fugitives des jeunes et joyeuses candidates figurantes, des riches fiançailles ou du mariage bourgeois, de l’aquarium et le monde du Commissaire triste et sombre, de son domicile, de son bureau… et des nombreux couloirs qu’il arpente. Contraste encore entre la jeune femme luxueusement vêtue, pour un jeu de rôle, cornaquée par le Commissaire qui lui donne des conseils pour marcher dans le couloir sombre de sa chambre, tous deux aperçus par une logeuse, elle aussi habillée de noir au regard soupçonneux pour ce couple équivoque.
De tous, le personnages dominant est bien sûr le Commissaire, par son rôle, par sa forte corpulence, par l’énormité de Gérard Depardieu encore accentuée par l’importance de ses épais vêtements, de son manteau. Il écrase tout et tout le monde, surtout de dos, dans la rue.

Dans l’épilogue, le film policier est terminé. Deux séquences hors enquête : dans la première, un bal, une jeune femme qui ressemble étrangement à la victime, seule, triste perdue ; dans la seconde, le Commissaire remonte difficilement une rue pentue, déserte et grise, croise une belle jeune femme, souriante, conquérante qui, probablement, débarque de sa province, avec sa valise... la nouvelle vient tenter sa chance dans l’aquarium parisien.
Le monde continue. Le commissaire se retourne, la regarde, reprend lourdement son chemin et son énormité disparaît, s’évanouit, laissant la rue pavée, grise et vide.

A la XXXIIIième édition du cinema ritrovato, le cinéma retrouvé, (Bologne, 22-30 juin), plus de 400 films de 250 réalisateurs ont été présentés dans 6 salles et, en soirée, sur la Piazza maggiore.

D’où un embarras et une frustration au moment du choix quand on ne peut en voir que quelques dizaines...

Ces films ont été réalisés entre 1896 et 2018 : courts métrages de quelques secondes du début du cinéma (dont 41 de l'année 1919, centenaire oblige), premiers films coloriés à la main, films en technicolor, longs métrages récents, quelquefois de plus de trois heures sur écran large.
Le tout présenté dans un catalogue de 400 pages.

Les films étaient regroupés suivant différents critères : ritrovati e restaurati (retrouvés et restaurés), acteurs (Jean Gabin), réalisateurs (Henry King, Edouardo de Filippo, Youssef Chahine, Buster Keaton, Felix E.Feist, Georges Franju, Musidora), pays (URSS, Corée du sud, Allemagne de l’ouest), années (1899, 1919), types de films (documentaires, cinemalibero)…

Certains films étaient présentés, en italien ou en anglais avec traduction, quelquefois en français, avant la projection. Avec en plus, onze lezioni di cinema (en français, masterclass) dont Bertand Tavernier sur les grands compositeurs, surtout français, de musique de film et Thierry Frémaux...

Dans cette abondance cinématographique, quelques remarques, arbitraires. On été présentés deux films italiens, Napolitani a Milano de Eduardo de Filippo (98mn, 1953) en salle et, sur la Piazza Maggiore, Miraculo a Milano de Vittorio de Sica (100mn, 1951). Qui portent sur des situations semblables : affrontement de mal logés et de spéculateurs immobiliers. Mais alors que Napolitano a Milano traite la question dans le style néo-réaliste italien classique, avec Miraculo a Milano, Vittorio de Sica et Cesare Zavattini (scénariste), continuent cette veine et la dépassent, par un conte merveilleux avec une grande imagination au niveau du scénario qui annonce la comédie italienne. Imagination servie par des prouesses techniques. Tout ceci justifie les milliers de spectateurs venus sur la place de Bologne pour acclamer un film, en noir et blanc, réalisé il y a 56 ans !!!

De la même époque, en couleurs Technicolor, Moulin rouge (120mn, 1952) de John Houston et Gigi (115mn, 1958) de Vincente Minelli, films de réalisateurs étasuniens sur la Belle époque à Paris. Moulin rouge dont le personnage central est le peintre Henri de Toulouse-Lautrec, le drame de sa vie et de ceux qu’il peint, qui vivent autour de lui. Gigi ne présente que l’aspect superficiel de cette époque avec le concours d’un Maurice Chevalier, égal à lui-même, le Français séducteur au sourire gouailleur et satisfait…
Deux films qui sur la même Belle époque, l’un hors sol, l’autre encore plus beau avec la description de cette même société mais qui n’oublie pas la réalité sociale sur laquelle elle repose.

Plusieurs films pour un hommage à Jean Gabin dont une biographie (Un Français) Nommé Gabin (104mn, 2017) de Yves Jeuland, illustrée d'extraits de 50 de ses 95 films, remarquable pour les fans de Jean Gabin. Mais aussi 8 films, avec Jean Gabin acteur. De Pépé le Moko de Julien Duvivier (94mn, France, 1936) à En cas de malheur de Claude Autant-Lara (121mn, France, 1957) qui permettent de voir Jean Gabin avant qu’il ne devienne la caricature de lui-même. Dans ces films, si Jean Gabin a le premier rôle, il n’a pas toujours le meilleur : Pépé le Moko, caïd enfermé dans la Casbah d’Alger n’en sort, par amour, que pour se faire prendre ; En cas de malheur, avocat respectable, il est entraîné dans sa chute par une Brigitte Bardot qui lui dame le pion ; Cœur de lilas de Anatol Litvak (90mn, France, 1931), petit caïd, il pousse la chansonnette et reçoit une bonne correction (Fernandel, en figurant-chanteur)... Au-delà des grilles de René Clément (104mn, France-Italie, 1948), il arrive à Gènes, en bout de course, sans pouvoir refaire sa vie…

La trame de ces films décrit l’atmosphère d’une petite ville française ou d’un quartier de Paris, Du haut en bas de G.W.Pabst (80mn, France, 1933), et les films souvent inspirés de romans de Georges Simenon (La Marie du port de Marcel Carné (97mn, France, 1949), Maigret tend un piège de Jean Delanoy (119mn, France, 1957), Le Chat de Pierre Granier-Deferre (86mn, France-Italie, 1970).
Avec Le Chat, la mort d’un couple et d’un quartier : dans une impasse de banlieue en plein remaniement urbain, Gabin n’a d’affection que pour son chat et ne correspond plus avec sa femme (Simone Signoret) que par petits papiers… Le chat est la première victime mais le couple s’éteint dans un quartier qui disparaît...

En dehors de Jean Gabin, plusieurs hommages étaient rendus à des femmes.
Musidora, la dixième muse de Patrick Cazals (65mn, France, 2013) avec une exposition sur celle qui fut productrice, marraine de guerre de soldats de l'aviation française, essayiste, romancière, actrice de théâtre, chanteuse, artiste de variété, archiviste de la Cinémathèque française, actrice pour Germaine Dulac, Louis Feuillade, Jacques Feyder, Georges Franju et réalisatrice (Pour don Carlos avec Lasseyne, 1921, Soleil et ombre avec Lasseyne, 1922, La Tierra de los Torros, 1924).
La passione di Ana Magnani de Enrico Cerasiolo (60mn, Italie, 2019).

Essere Done de Cécilia Mangini (28mn, Italie, 1964), documentaire sur la condition de la femme .

Segretarie, una Vita per il cinema de Raffaele Rago et Daniela Masciale (64 mn, Italie, 2017), série d’entretiens avec des secrétaires de grands maîtres du cinéma italien.

Les films restaurés, Bologne est un important centre mondial de la restauration de films, certains présentés sur la Piazza Maggiore, permettent de parcourir le cinéma et son histoire, chefs d’œuvre du cinéma et films moins connus : Le cirque de Charlie Chaplin (71mn, États-Unis, 1928) où Charlot est poursuivi par un policier dans un palais des glaces, séquence souvent reprise au cinéma, en particulier par Orson Welles dans la Dame de Shangaï ; The Cameraman de Buster Keaton (69mn, États-Unis, 1928) ; Toni de Jean Renoir, première passion d’un immigré sur les écrans français (91mn, France, 1935) ; Under capricorn de Alfred Hitchcock (117mn, États-Unis, 1949) ; Los olvidados de Luis Bunuel (81mn, Mexique, 1950) ; L'eau à la bouche de Jacques Doniol-Valcroze avec le couple Bernadette Lafont et Michel Galabru, musique de Serge Gainsbourg (95mn, France, 1950) ; Les bicots-nègres, Vos voisins de Med Hondo malgré un discours un peu daté (100mn, Mauritanie-France, 1974) ; La leçon de Piano de Jane Campion (121mn, Nlle Zėlande-Australie-France, 1993)...

Sur la Piazza Maggiore, Apocalypse Now, avec une présentation de Francis Ford Coppola, a connu un triomphe : le film a dû être projeté, en même temps, dans deux salles de cinéma de la ville ! Ce film était trop long d’après Coppola, initialement 4 heures, a été réduit à 3 heures, pour sa sortie en salle, à la demande des producteurs. C’est la dernière version (final cut), 183 minutes qui a été présentée à Bologne.

Apocalypse Now, aux multiples récompenses, a obtenu la Palme d’or à Cannes, à sa sortie en 1979. Conçu pendant la guerre du Vietnam, sur et contre la guerre. Où les héros, fascination par la guerre, complexes, confusion dans la guerre, demeurent des individus étasuniens, face au peuple vietnamien anonyme...

Comme l’ont fait Gian Luca Farinelli, directeur de la Cineteca di Bologna et du festival Cinema Ritrovato et Thierry Frémaux au cours d’une lezzione di cinema, dans son intervention, Francis Ford Coppola a pris nettement position en faveur du cinéma face aux plateformes : Apocalypse Now vu sur un téléphone doit perdre quelque peu de son envergure…

Mais la bataille continue. Netflix convoite l'Egyptian Theatre, sur Hollywood Boulevard, cinéma prestigieux construit en 1922, pour pouvoir remplir facilement les conditions de candidature aux Oscars : diffuser 7 jours consécutifs le film dans un cinéma de Los Angeles...

Pour Winding Refn (à Bologne pour son film-culte Drive), la numérisation est une façon de favoriser la conservation des films : en créant un musée de films pour les générations futures… La révolution digitale est le troisième frère Lumière… avec une nouvelle attention sur le cinéma classique, plutôt au détriment de la télévision que du cinéma.

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Assister à un Festival de cinéma sans être un professionnel, sans être du milieu, permet de voir beaucoup de films en quelques jours. Le plus souvent au hasard en fonction des horaires des films, des salles, des files d’attente, quelquefois poussé par une conversation avec des inconnus ou la lecture de critiques parues dans les journaux distribués gratuitement.

A la réflexion, ces films peuvent avoir quelques parentés même s’ils ont été présentés dans des sélections différentes : volonté des organisateurs, hasard, mode, tendance… ? Ou parentés subjectives en fonction de l’humeur, de la fatigue, des goûts du spectateur devant tous ces films vus dans le désordre et qui pourraient être rangés suivant d’autres logiques… ?

Plusieurs films traitaient de l’auteur et son œuvre.

Julian Schnabel, le réalisateur de At eternity’s gate sur Vincent Van Gogh (1) a dit que l’unique façon de décrire une œuvre d’art était de faire une œuvre d’art. C’est ce qu’il a fait de façon intéressante en essayant de traduire les difficultés psychologiques de Van Gogh essentiellement par des mouvements de caméra et sa peinture par l’utilisation intense de la couleur.

Le parti pris de Florian Henckel Van Donnersmarck, dans Werk ohne Autor (2), est bien différent et plus classique. Il décrit le long cheminement d’un jeune peintre pour arriver à être lui-même, comme le lui demande un de ses professeurs, malgré les contraintes de la mode occidentale. Après les contraintes du régime communiste. Il arrive finalement à progresser dans son art du portrait, non du portrait de commande que lui impose son beau père, compromis dans les régimes nazi puis communiste, mais le portrait qui traduit aussi la réalité sociale dans laquelle il vit.

C’est aussi ce thème qu’on retrouve, avec plus ou moins de bonheur mais dans le domaine du cinéma, avec Les estivants de Valeria Bruni Tedeschi (3) et The other side of the wind, (4) : dernier film d’Orson Welles, tourné dans les années 1970, inachevé et terminé par des collaborateurs, après sa mort.

Doubles vies d’Olivier Assayas (5), traite, entre autres, de ce thème autour d’un auteur de romans à clef, fortement égocentrique. Mais ce film, marivaudage à trois couples du monde de l’édition parisienne, aborde d’autres questions dont celui de la presse et de l’édition face à la numérisation qui les menace.

Certains films peuvent être plus ou moins considérés comme des docu-fictions.

The First man (6) de Damien Chazelle narre la préparation, la sélection et le voyage du premier homme à avoir marché sur la lune, Neil Amstrong, et les répercussions sur sa vie familiale : un homme exemplaire dans une famille étasunienne exemplaire.

Dans 22 JULY (7), Paul Greengrass, à travers l'histoire d'un jeune survivant blessé et de sa famille, reconstitue l'attentat meurtrier d'Oslo par un extrémiste de droite, attentat qui a fait de très nombreuses victimes dont 77 morts…

Sulla mia pelle (8) d’Alessio Cremonini retrace l'histoire d'un fait divers italien : un jeune consommateur et revendeur de drogue est arrêté par la police et succombe, quelque temps après, aux coups reçus lors de son interrogatoire. Les faits sont évidents, l'état du jeune à l'entrée et à la sortie de l’interrogatoire en témoigne. Par crainte de mesures de rétorsion, le jeune n'ose pas dénoncer le policier responsable connu par l'échange de regards.

Les deux premiers sont bien réalisés mais sont et paraissent longs car les faits, jusqu’à leur conclusion, sont connus du spectateur. Le dernier, docu-fiction dénonciateur, montre le désarroi du jeune et de sa famille face aux mauvais fonctionnements de la police, de la justice, de l’administration : mauvais fonctionnements qui n’ont pas encore eu de sanction judiciaire.

Sans être des docu-fictions, des films se rattachent à des faits qui ont, un moment, défrayé la chronique.

Comme Acusada (9), reconstitution incomplète d'un fait divers survenu à Pérouse en Italie. Et de ses suites. Une jeune fille est assassinée lors d’une partie. Une de ses amies dont elle a diffusé des images compromettantes est accusée. Lourde situation malgré son acquittement final.

Amanda (10) s’éloigne encore plus du docu-fiction. L’actualité dramatique des attentats de Paris sert, seulement, de toile de fond, à l’évolution d’un situation familiale. La mère qui s’occupe seule d’Amanda, âgée de 7 ans, disparaît dans un attentat et la vie d’Amanda, celle de ses proches, sont bouleversées. Les circonstances dramatiques n’empêchent pas d’entrevoir un avenir pacifié...
 

Charlie says de Mary Harron (11) est l’histoire de Charlie Manson qui, gourou d’une communauté hippie des années 60, la famille Manson, entraîne ses émules, essentiellement des jeunes femmes, dans une série d’assassinats… En résonance avec l’actualité, la dernière partie montre les tentatives pour arracher ces jeunes femmes à l’envoûtement dont elles sont encore victimes après les tueries…

Dans un registre et un contexte bien différents, Capri-Revolution de Mario Martone (12) et inspiré de faits réels : une communauté créée par un peintre utopiste au début du siècle dernier dans l’île de Capri. Une bergère découvre, dans la montagne, un groupe de jeunes, hippies avant l’heure, épris d’art, de liberté, de naturisme, d’amour libre... Vivant dans un village aux traditions fortes, avec deux frères autoritaires auxquels elle s'oppose, elle est séduite par leurs activités artistiques, musique, danse…
Entre la forte tradition du village, la révolution par les arts ou par la raison scientifique et socialisante du médecin qui l’a guérie, alors que l’armée appelle ses frères, que va-t-elle faire ?.

Si, une fois de plus, les films de réalisatrice étaient rares dans les différentes sélections, les personnages féminins avaient une place importante.

Capri-Revolution pourrait être placé dans ce groupe de films.

Roma (13) qui a obtenu le Lion d’or, entre dans cette catégorie. Dans une riche famille vivant dans un quartier bourgeois de Mexico (Roma), le père quitte le foyer familial, femme et enfants, tandis que la domestique-nounou tombe enceinte, est abandonnée par le géniteur qui participe à la répression des révoltes étudiantes. Les deux femmes font face à la situation difficile que les hommes leur ont léguée.

The favorite (14) se passe à la cour d’Ann d’Angleterre. Que ce soit la reine ou celles qui se disputent la place de favorite, qu’elles s’aiment ou se battent, ces femmes ne s’en laissent pas compter par les hommes de la cour qui voudraient bien avoir le pouvoir, pas seulement sur la politique...

Dans Napszallta (Sunset) (15), c’est aussi d’une jeune femme qu’il est question : héritière spoliée d'une grande chapellerie, elle vient à Budapest pour se faire engager dans l’ancienne entreprise de ses parents. Comme dans son précédent film, Le fils de Saul, Lazlo Nemes, le réalisateur, conduit son héroïne à la recherche d’un frère, chef des révolutionnaires…

D’autres films donnent le rôle principal à une femme, comme Suspiria de Luca Giadagnino (16), Deva de Petra Szocs (17), Dachra de Abdelhamid Bouchnak (18)

Au delà de ces films de qualité, rangés par rubrique, il ne faut pas oublier, trois films remarquables.

The ballad of Buster Sruggs (19), six nouvelles des frères Coen qui reprennent des thèmes classiques du western sous forme de fables humoristiques.

Certains films mettent en scène des frères ou des sœurs, de fait ou de sang. Le titre du film de Jacques Audiard, dans son ambiguïté, pourrait être emblématique de ce groupe :The sisters brother.

La quietud (20) de Pablo Trapero se déroule en Argentine. Deux sœurs jouent les premiers rôles. Jeunes, belles, heureuses, elles partagent tout, de leurs émois à leurs amants, dans une magnifique propriété. Quand le mari de l'une revient de Paris, c'est l’autre qui va le chercher à l'aéroport et s’en empare immédiatement dans la voiture… Mais ce bonheur, cette richesse repose sur un crime caché du père tant aimé... Et quand l’une des sœurs est enceinte d’un père incertain et finalement inutile, le fruit sera l’enfant des deux sœurs…

A star is born de Bradley Cooper (21), en tirant un peu, peut être rangé dans cette catégorie. Il ne s’agit pas de frères ou de sœurs mais d’un couple. Un chanteur renommé reconnaît dans une amie une véritable star et la pousse vers le succès. Tandis que lui s’enfonce dans la dépression et la drogue...

L’amica geniale de Saverio Costanzo (22) : une femme d’âge mûr écrit l’histoire d’une amitié ancienne avec une camarade d’école : deux copines de couches sociales défavorisées sont les meilleures de la classe, l'une aura une bourse et le soutien des parents pour continuer ses études l'autre sera écrivaine. Dans l’atmosphère de Naples des années 50.
Ce film fait suite à une série télévisée, inspirée d’un livre d’Elena Ferrante, et devrait connaître d’autres épisodes...

The Nightingale (23) de Jennifer Lent. Une jeune Irlandaise décide de se venger des violences de militaires anglais, colons en Australie, aussi racistes envers les Irlandais qu’envers les Aborigènes : viol, meurtre de son mari et de son enfant. Les militaires coupables ayant quitté la région, elle engage par nécessité, malgré son racisme, un aborigène pour lui servir de guide.
Cette barbarie contre les Aborigènes et contre les Irlandais déportés en Australie, cette violence subie et partagée va conduire les deux héros de l’entraide nécessaire à la découverte de l’autre. Du chant de l’autre.

Avec le western The Sisters brothers (24), tourné en anglais, Jaques Audiard part à la conquête de l’ouest. Ces deux frères qui ont tué et tuent sans beaucoup d’émotion et de scrupules, c’est leur métier, doivent retrouver un scientifique, chercheur d’or. Ils accomplissent leur mission mais finalement rentrent au ranch familial pour changer de vie. Il ne fait pas de doute que le film atteindra son public en France. Décrochera-t-il le Graal comme certains le lui promettent ? A Venise, il a touché et le public et le jury.

Les Frères ennemis de David Oelhoffen (25), copains d’enfance, essentiellement d’origine maghrébine, ont vécu dans le même quartier mais ne sont plus du même coté de la barrière. Les uns vivent de trafic de drogue et s’enfoncent de plus en plus dans une délinquance qui les dépasse, passant du haschich à la cocaïne en grosse quantité. L’autre est dans la police, les traque tout en essayant de leur éviter le pire....

La fraternité dans Dragged across concrete de S. Craig Zahler (26) est plus complexe, multiple. Au cours de l’action, plusieurs fraternités se construisent. Un duo de policiers, un noir et un blanc, est suspendu pour avoir utilisé des moyens excessifs pour arrêter deux délinquants. Au courant d'une importante attaque de banque, ils décident de traiter l'affaire pour leur propre compte et de récupérer le magot. L’affaire tourne mal car deux complices ont déjà prévu de doubler l'équipe principale. Derniers survivants, un des deux complices, noir, et le vieux policier, blanc, décident de s'allier…

The man who surprised everyone de Natacha Merkulova et Aleksey Chupov (27). Apprenant qu’il est atteint d'une maladie incurable, un homme, bon époux sans histoire, règle toutes ses affaires et change totalement de comportement : il décide, sans dire un mot, d’afficher son identité profonde..

Aquarela de Victor Kossakovski (28) : film magnifique sur le dérèglement climatique. Dans le Grand nord, les secours aux voitures qui se sont enfoncées dans l'eau du fait d’une fonte des glaces inattendue, la chute bruyante et majestueuse d’énormes masses de glace qui s'enfoncent dans l'eau et remontent comme une profonde respiration, les énormes vagues, et bleues, et noires, le voilier dans la tempête, la force terrible des ouragans…

Autres films vus :

Kraben rahu (Manta Ray) de Phuttiphong Aroonpheg, 105 mn, Orizzonti.
Peterloo de Mike Leigh, 154 mn, Venezia 75.
La profezia del armadillo d’Emanuele Scaringi, 99 mn, Orizzonti.
Ni de lian (Your face) deTsai Ming-liang, 76 mn, Fuori Concorso.
Vox lux de Brady Corbet, 110 mn, Venezia 75.
Un giorno a l’improvviso de Ciro d'Emilio, 89 mn, Orizzonti.
Deslembro (Unremember) de Flavia Castro, 96 mn, Orizzonti.

La notte de San Lorenzo de Paolo et Vittorio Taviani. 107 mn, Venezia classici restauri.

COURTS MÉTRAGES

Blu de Massimo d'Anolfi et Martina Parenti, 20 mn : documentaire sur la construction du métro de Milan qui, par la seule image, fait naître un certain suspense.

Leoforos patision de Thanasis Neofotistos, 12 mn : une femme prise dans les turbulences d’un manifestation fortement réprimée, est suspendue à son portable par l’angoisse de savoir son enfant seul à la maison.

Strano telo de Dusan Zoric, 20 mn. Un jeune femme commence un témoignage sur le viol qu'elle a subi de la part de militaires serbes. Dans une piscine, trois copains s'entraînent. Ils vont en boîte. L'un deux est entraîné par une jeune femme qui le provoque en lui demandant un moment très vigoureux. Elle est finalement satisfaite. Mais lui s’en va écœuré par ce qu'il a fait. Il finit dans l'armée, fier de lui. La boucle est fermée.

Na Li (Down there) de Yang Zhengfan, 11 mn. L'été et tout le reste de Sven Bresser, 18 mn. Ninfe d’Isabelle Torre, 12 mn. Los bastardos de Thomas Posse, 16 mn.

1 - At eternity‘s gate de Julian Schnabel, 110 mn, Venezia 75, Coupe Volpi d’interprétation masculine pour Willem Dafoe dans le rôle de Van Gogh)

2 - Werk ohne Autor de Florian Henckel Van Donnersmarck, 188 mn, Venezia 75

3 - Les estivants de Valeria Bruni Tedeschi, 126 mn, Fuori Concorso

4 - The other side do the wind d’Orson Welles, 122 mn, Evento speciale, prix Campari

5 - Doubles vies d’Olivier Assayas, 107 mn, Venezia 75

6 - The first man de Damien Chazelle, 135 mn, Venezia 75

7 - 22 July de Paul Greengrass, 143 mn, Venezia 75

8 - Sulla mia pelle d’Alessio Cremonini, 100 mn, Orizzonti

9 - Acusada de Gonzalo Tobal, 108 mn, Venezia 75

10 - Amanda de Mikhael Hers, 107 mn, Orizzonti

11 - Charlie says de Mary Harron, 104 mn, Orizzonti

12 - Capri-Revolution de Mario Martone, 122 mn, Venezia 75

13 - Roma, Alfonso Cuaron, 135 mn, Venezia 75, Lion d’or

14 - The favorite de Yorgos Lanthinos, 120 mn, Venezia 75, Grand prix du Jury et coupe Volpi d’interprétation féminine à Olivia Colman dans le rôle de la reine Ann

15 - Napszallta de Lazlo Nemes, 142 mn, Venezia 75

16 - Suspiria de Luca Giadagnino, 152 mn, Venezia 75

17 - Deva de Petra Szocs, 82 mn, Orizzonti

18 - Dachra de Abdelhamid Bouchnak, 113 mn, Fuori Concorso

19 - The ballad of Buster Sruggs de Joël et Ethan Coen, 133 mn, Venezia 75, Prix du scénario

20 - La quietud de Pablo Trapero, 120 mn, Fuori Concorso

21 - A star is born de Bradley Cooper, 135 mn, Fuori Concorso

22 - L’amica geniale de Saverio Costanzo, 120 mn, Fuori Concorso

23 - The Nightingale de Jennifer Lent, 136 mn, Venezia 75, Prix spécial du jury et Prix Marcello-Mastroianni du jeune acteur émergent pour le comédien aborigène Baykali Ganambarr

24 - The Sisters brothers de Jaques Audiard, 120 mn, Venezia 75, Lion d’argent de la meilleure mise en scène

25 - Frères ennemis de David Oelhoffen , 111 mn, Venezia 75

26 - Dragged across concrete de S. Craig Zahler, 158 mn, Fuori Concorso

27 - The man who surprised everyone de Natacha Merkulova et Aleksey Chupov, 105 mn, Orizzonti

28 - Aquarela de Victor Kossakovski, 89 mn, Fuori Concorso

Et comme il est impossible de résister à prendre quelques photographies à Venise...

Cette année, au Festival de Cannes, trois films, au moins, donnaient des nouvelles de la France : une fiction, En guerre (2) de Stéphane Brizé, et deux documentaires, La Traversée (3) de Romain Goupil et Libre (4) de Marc Toesca.

En Guerre, une histoire qui pourrait être dite banale, si une telle qualification ne traduisait, en plus de la grande fréquence, une certaine acceptation : la fermeture d’une entreprise avec licenciement des travailleurs. Le titre du film affirme que ce n’est pas acceptable pour Stéphane Brizé et ne devrait l’être pour personne.

Une usine de la région d’Agen : pour le patronat, un entreprise non rentable, les mêmes produits peuvent être fabriqués ailleurs, à un coût moindre, avec de nouveaux bénéfices pour la maison mère qui se porte très bien. Or, les travailleurs, dans un contrat signé 2 ans auparavant avec la direction, ont déjà accepté une augmentation de la durée du travail sans augmentation de salaire contre un engagement de la direction de maintenir les emplois pendant 5 ans, avant de revoir la question. Avec, à la clé, une aide de l’État à l’entreprise.
Les travailleurs ne peuvent accepter cette rupture unilatérale du contrat. Avec leur syndicat, conduits par Laurent Amédéo (Vincent Lindon), ils décident d’arrêter le travail et de bloquer les stocks.
Le film est l‘histoire de cette gréve : de ses difficultés, des négociations, des conflits entre ceux qui, avec Amédéo, veulent aller jusqu’au bout et ceux qui sont prêts à céder moyennant un dédommagement financier.
On retrouve, dans En Guerre, Vincent Lindon qui donne du poids au personnage, au milieu d’acteurs non professionnels, auxquels il est parfaitement intégré. Comme il donnait son poids de vie et de souffrance à son personnage dans La Loi du marché (5).
Entre les deux films, 2015- 2017, la situation sociale n’a guère évolué. Pesante. Mais Brizé, et Lindon, passent d’un conflit individuel à un combat collectif avec une issue peu encourageante dans les deux cas… et la solitude des personnages joués par Vincent Lindon.

La Loi du marché comme En guerre montrent les confits individuels ou collectifs, au jour le jour, et les difficultés. Et, dans En guerre, l'importance des médias qui s’indignent plus de la violence des travailleurs quand ils s’en prennent à un cadre ou un patron que de la violence du patronat quand il met au chômage des centaines de travailleurs. Tandis que l’État protège plus la liberté d’entreprendre que le droit au travail.
La fin du film, désespérée, n’est, heureusement, pas dans la tradition française. Utile pour réveiller la conscience du spectateur ? Pour le pousser à la révolte ?

Faut-il en arriver là, pour grappiller quelques avantages ? Brizé en doute-t-il qui le met dans un cadre serré, loin de tout, loin de tous, dans la dernière image ?

La fermeture d’entreprises n’est pas un phénomène récent et d’autres films en ont déjà traité. Plus souvent sous forme de documentaire que de fiction.

L’histoire la plus emblématique est la fermeture de l’usine Lip à Besançon dans les années 70, important moment politique et social. Les actions des travailleurs de Lip ont surpris : reprise du travail, mise à l’abri du trésor des montres fabriquées, ventes sauvages et le cri autogestionnaire : C'est possible ! On fabrique, on vend, on se paie ! Entendu par les 100 000 manifestants venus exprimer leur solidarité dans les rues de Besançon.
Cette histoire est retracée dans le film Les Lip, l'imagination au pouvoir (6) à travers les témoignages des principaux protagonistes de l'époque ainsi que des images d'archive. Avec un parfum de mai 68.

Confrontés à la faillite de leur entreprise de lingerie, proche d’Orléans, les travailleurs, essentiellement des femmes, décident de créer une coopérative pour sauver leur emploi : ce que Mariana Otero a relaté dans le documentaire Entre nos mains (7).
Les problèmes sont les mêmes, les conflits sont les mêmes, juridiques, financiers, techniques, psychologiques, fonctionnement collectif, longues discussions - est-ce possible ? - Mais ils sont présentés différemment. Parce que les travailleurs sont majoritairement des travailleuses ? Par le génie de Mariana Otero ?
Comme toujours la loi du marché et les banques cassent le projet dont on a vu, un moment, qu’il pouvait être réalisé. Mais le rêve demeure. Et le film s’achève par des chansons. Demain, peut-être…

Entre 2007 (Les Lip, l’imagination au pouvoir, Christian Rouaud), 2010 (Entre nos mains, Mariana Otero) et 2017 (En guerre, Stéphane Brizé), qu’est-ce qui a changé à ce point ? Le monde ? La vision du monde ? L’utopie, l’espoir ne sont-ils plus possibles ?

En 2012, Françoise Davisse suit, pendant 18 mois, la résistance de 3 000 personnes de Peugeot à Aulnay dans Comme des lions (8).
Elle insiste sur l’organisation de la lutte, le souci constant et la difficulté de prendre des décisions collectivement, démocratiquement : lors des comités de grève, il y a 200 personnes et lorsqu’une personne parle, tous les autres l’écoutent... Ils ont cette capacité à prendre la parole, à rester tête haute… Ils arrivent ensemble à construire une pensée… Quand j’ai commencé à assister aux réunions, ce qui m’a assez impressionnée et touchée, c’est la capacité des ouvriers à penser ensemble... Pour Françoise Davisse, la question de fond est : Que peut-on faire ? Comment décider démocratiquement ?

La lutte s’achèvera par la fermeture du site d’Aulnay mais avec une amélioration des conditions de départ.

Merci Patron (9) mérite une place à part. Il traite la question d’une tout autre façon. C’est une performance qui fait entrer dans les coulisses du tournage d’une histoire vraie, suscitée et filmée par François Ruffin. Cette comédie documentaire (10), ce documentaire de guérilla (11) a été réalisé avec la complicité de Jocelyne et Serge Klur, couple au chômage, criblé de dettes, risquant désormais de perdre sa maison, suite à la fermeture de l’usine du Groupe LVMH, près de Valenciennes, dans laquelle ils travaillaient et qui a été délocalisée en Pologne.

Ce film du journaliste-cinéaste, aujourd’hui député, est, contrairement aux précédents, individualiste, facétieux, ridiculisant, bernant les adversaires. C’est une satire sociale qui fait mouche et emporte le rire des spectateurs. Et qui fait gagner le couple Klur.

Pour La Traversée, Romain Goupil et son comparse, Daniel Cohn-Bendit, figures de mai 68, ont parcouru 15 000 kilomètres de route à la rencontre des Français, sans vouloir rien prouver, à la recherche de la France réelle !

Le voyage commence cependant par les chantiers de Saint-Nazaire où se sont déroulées des luttes importantes dans le années 60, des entreprises paysannes… qui permettent à Daniel Cohn-Bendit de rencontrer des actifs ou retraités fiers de leur métier ou de leur ancien métier.
A Carcassonne, en 2012, la direction décide de délocaliser la production de crèmes glacées. Après un an de conflit, 19 salariés obtiennent l'autorisation de poursuivre l'activité. Pour cela, les salariés doivent faire des sacrifices. Chacun verse 5 000 euros et la totalité de ses droits au chômage. Un gros investissement et un pari fou pour ces nouveaux entrepreneurs : C'était peut-être un risque, mais c'était du travail. Cette séquence sur La belle Aude, entre en résonance avec Les Lip et Entre nos mains… à une échelle bien moindre, 19 salariés, mais aussi avec un succès qui dure encore…

La seconde partie de La Traversée, sans vouloir rien prouver, est plus politique. Nos héros modernes courent de grands risques en s’aventurant dans une zone où le portable ne passe pas pour affronter une assemblée d’adhérents et de sympathisants du Front National... qui vont profiter de la tribune qui leur est offerte.

Comme Robert Ménard, le maire de Béziers, à qui ils reprochent une surprenante évolution politique, eux qui sont passés du Mouvement du 22 mars ou de la LCR au soutien d'Emmanuel Macron !!

Mais le sommet est atteint avec une séquence de 7 minutes que certains déclarent, déjà, séquence culte.

Romain Goupil et Daniel Cohn-Bendit discutent de savoir s’ils doivent interroger Emmanuel Macron et, éventuellement, où…. Les deux anciens de Mai 68, les deux compères se chamaillent devant la caméra, devant les spectateurs, pas seulement...
Il faut se décider maintenant Romain… Comment on fait avec Emmanuel : on va à l’Élysée ou pas ? C’est plein de dorures l’Élysée, ça n’est pas neutre ! On sera dans la révérence si on y va. On va perdre l’insolence du film !

On n’a guère vu de l’insolence jusque là.

Un léger mouvement de caméra permet de dévoiler que cet enregistrement a lieu dans un café de Francfort (Allemagne) en présence de… Emmanuel Macron. Qui apparaît en majesté. La scène est savoureuse. L’effet de surprise est là. Parfaitement réussie. Pour la première fois, un président de la République en exercice joue son propre rôle dans un film. Et on se tutoie. Connivence avec le président. Insolence envers le spectateur. Magnifique coup de com, le président vient répondre dans un café. Comme, hier, le président Giscard allait déjeuner chez des éboueurs. Nos présidents sont près du peuple !

La question insolente arrive sur l’accueil des demandeurs d’asile, des réfugiés… Offrant au copain-président de la République la possibilité de dérouler son discours habituel sur l’accueil, sur sa vision de la France…
Daniel Cohn-Bendit ne s’y trompe pas quand il dit : Il n’a fait que nous dire ce qu’il pense depuis toujours. Pouvait-il en être autrement ?

Cet entretien rappelle étrangement le débat entre Emmanuel Macron et les journalistes Edwy Plénel et Jean-Jacques Bourdin dont la mise en scène était signée des communicants de l’Élysée, reproduite ici sur un mode mineur : même triangle mettant en valeur le président, discussions sur le lieu de l’entretien, Élysée ou non, impertinence, on ne parle pas au président de la République mais à Emmanuel Macron. Ici, on le tutoie ! Si quelqu’un se joue des codes, c’est bien Emmanuel Macron qui les change quand il veut, comme il veut avec toujours l’avantage de son statut jupitérien : Il l’a fait par amitié pour Daniel Cohn-Bendit dit-on à l’Élysée.

C’est dommage que Romain Goupil et Daniel Cohn-Bendit, au lieu de mettre leur vieille gloire au service de leur ami président, n’aient pas continué leur voyage en allant du coté de la vallée de la Roya ou de Briançon. Daniel Cohn-Bendit qui a su franchir des frontières, il y a bien longtemps, clandestinement, aurait pu apporter un témoignage et un soutien à ceux qui sont poursuivis aujourd’hui.

Passer du nous sommes tous des juifs allemands au nous sommes tous des demandeurs d'asile,,,, aurait été un beau geste de transmission de la solidarité, du nécessaire délit de solidarité.

Heureusement, à Cannes, il y avait Libre, le film de Michel Toesca pour parler de la vallée de la Roya, frontalière de l’Italie. C’est l'histoire du combat de Cédric Herrou et d’autres, pour l'accueil et la protection de migrants dans cette vallée. Cédric Herrou cultive des oliviers. Des candidats à l’immigration arrivent d’Italie. A pied. Il leur offre un refuge. Avec d’autres, il les aide à aller à la préfecture des Alpes-Maritimes pour qu’ils puissent, conformément à la loi, déposer une demande d’asile. Ou si ce sont mineurs isolés, obtenir une prise en charge, conformément à la loi. Mais cela ne plaît pas au gouvernement qui ne pense qu’à renvoyer tout le monde, sans examen, vers l’Italie.